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Otto Ritschl - a master of German postwar abstraction
16.01.2025 - 01.03.2025
Otto Ritschl (1885-1976) darf zurecht als einer der Meister der abstrakten Malerei im Nachkriegsdeutschland der 1950/1960er Jahre bezeichnet werden.
Als Teilnehmer der Documenta I, 1955, und Documenta II, 1959, beschäftigte sich Ritschl in den frühen 50er-Jahren mit dem Widerspiel von Linie und Fläche, wurde zunehmend in seiner Formensprache geometrischer, bevor er in den 60er-Jahren die vormals harten Konturen immer mehr in flächige Farbwolken auflöste. Sein Oeuvre von bis zu 1.900 Arbeiten, davon 1.600 auf Leinwand, besticht durch seine Stringenz und gleichzeitig seine kontinuierliche Weiterentwicklung, im Zentrum seines Schaffens getragen von der reinen Farbe.
Die Ausstellung zeigt einen repräsentativen Überblick über verschiedene Werkphasen des Künstlers, beginnend bei den Künstlerischen Anfängen Otto Ritschls bis hin zu Arbeiten aus seiner letzten Schaffensphase.
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Von Albers bis Zilocchi - Abstrakte Arbeiten auf Papier
08.11.2024 - 21.12.2024
Daniel Richter - Grafiken
bis 21.12.2024
„Von Albers bis Zilocchi – Abstrakte Arbeiten auf Papier“ stellt das Medium Papier in den Mittelpunkt. Von Druckgrafik über Zeichnung bis zur Malerei bietet die Ausstellung einen Überblick über unterschiedliche abstrakte Ausdrucksformen auf Papier, welche von monochromen Darstellungen bis zu reduzierten Prägedrucken, genauso wie von streng geometrischen Anordnungen bis hin zu flüchtig-expressiv geprägten, dynamischen Gesten reichen. Von „ A – Z“ umfasst Werke u.a. von Josef Albers, Ingrid Floss, Pia Fries, Günther Förg, Mark Francis, Rupprecht Geiger, Raimund Girke, Katharina Grosse, Ian McKeever, Serge Poliakoff, Ad Reinhard, Rolf Rose, Victor Vaserely, Dieter Villinger, Alberto Zilocchi.
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Xinyan Zhang - The Empty Journey
06.09.2024 - 26.10.2024
In pastelligen Tönen, erfrischend bunt und angenehm für die Augen, wenn auch auf den ersten Blick etwas unorganisiert, erscheinen die wie flüchtig hingeworfenen, locker verteilten Linien und Farbelemente auf den Leinwänden der 1991 in Shenzen, China geborenen und seit mehreren Jahren in Berlin lebenden Künstlerin Xinyan Zhang. Erst langsam schälen sich aus dem Hintergrund einzelne versetzte Strukturen zu Körperfragmenten und ganzen Körpern heraus und fügen sich zu einem narrativen Zentrum zusammen. Zart und durch die Fragmentierung verletzlich sehen die Figuren aus, die häufig eine feminine oder androgyne Ausstrahlung haben und in sexualisierten Posen ineinander verschlungen sind.
Xinyan Zhang thematisiert in ihren Arbeiten die Empfindsamkeit und Zerbrechlichkeit zwischenmenschlicher Beziehungen, deren Dramatik nur durch winzige malerische Details die sonst romantisch anmutenden Szenen in ihrer inhaltlichen Stimmung kippen lassen.
Xinyan Zhang hat ihre Ausbildung in China an den Universitäten von Shenzhen und Guangzhou, an der Accademia di Belle Arti di Firenze, Florenz, und an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe gemacht. Ihre künstlerische Arbeit wurde bereits mit über 10 unterschiedlichen Kunstpreisen und Stipendien belohnt und ihre Arbeiten allein im letzten Jahr in mehreren Einzelausstellungen in China und USA gezeigt. Wir freuen uns, die erste Einzelausstellung von Xinyan Zhang in Deutschland auszurichten.
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Baixuan Chen - Night Escape
04.07.2024 - 10.08.2024
Mit "Night Escape" freut sich die Braun-Falco Galerie, Ihnen die erste Einzelausstellung der Malerin Baixuan Chen in München anzukündigen. Die Bilder der Künstlerin sind gleichsam verwaschen, phantastisch, zart und hintergründig. Was schlummert unter der Bildoberfläche, was taucht aus dieser berauschenden Tiefe des menschlichen Unterbewusstseins auf? Traumhafte Landschaften, schaurig schön, einsam und romantisch. Ihre Motive wirken oft wie Filmstills, wie Ausschnitte aus einer größeren Erzählung, die mit ihren inhaltlichen Andeutungen dennoch für sich stehen. Sofern menschliche Figuren präsent sind, erscheinen diese oft mit gesenktem Kopf, körperlich starr, emotional abwesend und fern, wie in ihrer eigenen Welt lebend. Nur selten entsteht durch Blickkontakt eine Nähe zum Betrachter. Trotz dieser in sich gekehrten Distanz vermitteln die Bilder einen intimen, fast vertrauten, atmosphärischen Charakter, der die Betrachter mit den Protagonisten sympathisieren lässt. „Das Unsichtbare erzählen“ wäre vielleicht eine treffende Überschrift für die Arbeiten von Baixuan Chen: Subtile Stimmungen, kräftige Emotionen in feinen Nuancen - Atmosphäre. Wie Erinnerungsfragmente aus unseren Träumen, nicht erklärbar, aber erfahrbar.
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Opening 07.03.2024: Marina Schulze with "so be seen"
07.01.2024 - 12.04.2024
Marina Schulze ist eine Malerin im klassischen Sinne – Malen nach Augenmaß - alla prima – am liebsten in Öl oder Acryl auf Leinwand, gelegentlich auch auf Papier. Ihre Sujets wechselnd, aber in Serie – Pilze, Wasseroberflächen, oder der menschliche Körper.
Wobei der Gegenstand an sich weniger von Bedeutung ist, als seine Oberfläche und das, was sich darunter verbirgt. Und dennoch, oder gerade weil Marina Schulze eine virtuose Fähigkeit zur Wiedergabe der Natur besitzt, ist es nicht die malerische Imitation von Realität, welche sie primär interessiert. Sie konzentriert sich auf Ausschnitte eines Gegenstandes, auf Details, welche sie in ihren Arbeiten in ein ungewohntes, größeres Format übersetzt. Diese Amplifikation von Feinstrukturen, der Wechsel von einem Mikro- in einen Makrokosmos, ermöglicht ein Ausloten der Grenzen zwischen Wahrnehmung von Gegenständlichkeit und ihrem Übergang in eine abstrakte Form- und Farbensprache. Über den Prozess der Ausschnittsvergrößerung hinterfragt Marina Schulze das Wertigkeitsgefüge und Spannungsverhältnis zwischen Detail- und Gesamtbildnis. Welchen Eindruck hinterlässt das Detailbildnis im Vergleich zum Ursprungsobjekt – einen kongruenten? Nicht zwangsläufig, wie die in wunderschönen Rot-, Orange- und Weißtönen gehaltenen, sehr ästhetisch wirkenden Pilzlamellen aufzeigen, die zu einem Fliegenpilz gehören.
Hier zeigt sich der Kern der Arbeit von Marina Schulze - ein Spiel mit der Wahrnehmung und Empfindung des Betrachters, ein Verwischen von Realität, ein Herausfordern von visuellen Missverständnissen. Und was fühlt der Betrachter selbst beim Anblick der Bilder von Marina Schulze? In erster Linie einfach nur großartige Malerei.
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Hyundeok Hwang with "asserTV"
11.01.2024 - 24.02.2024
asserTV (어쩔TV) - gesprochen „assertive“ wie das englische Wort für durchsetzungsfähig, in der Umgangssprache von jungen Koreanern verwendet als „SO WHAT!!“.
Nicht nur der Titel, auch vieles Weitere ist bemerkenswert an den Werken von Hyundeok Hwang:
der Grad der technischen Ausarbeitung seiner vielschichtig in Öl gemalten Arbeiten, die komplexe strukturelle Bildraumgestaltung seiner Kompositionen, die duale Wirkung seiner Arbeiten mit einer auf Distanz raumergreifenden Präsenz bei gleichzeitig wiederholt für Überraschung sorgenden Detailvielfalt und das abwechselungsreiche Bilder-Universum, welches der aus Korea stammende Künstler zunehmend entwickelt. Dieses wird gespeist von Erinnerungen und eigene Erfahrungen, aber auch von historischen wie aktuellen Geschehnissen, vor allem mit Bezug zu seiner Heimat. So narrativ belegt einzelne Elemente in jeder Arbeit auch sein mögen, so lässt der ehemalige Markus Oehlen-Schüler bewusst Zusammenhänge zwischen unterschiedlichen Inhalten offen, kombiniert diese figürlichen Versatzstücke mit abstrakten Bildelementen und überlässt es dem Betrachter, hierfür mögliche Interpretationsansätze zu finden.
Er selbst schreibt dazu: „In letzter Zeit konzentriere ich mich darauf, verschiedene Ebenen in meiner Arbeit zu verschmelzen. Jede Ebene enthält Elemente wie Linien, Flächen, Farben, Punkte oder Bilder (Formen, Gegenstände, Menschen, Tiere usw.) die sich überlappen und dabei die bestehenden Definitionen und Bedeutungen zerstören. Der Grund dafür ist, den Betrachter durch meine Arbeit auf vielfältige Interpretationsmöglichkeiten zu führen. Da Betrachter unterschiedliche Kenntnisse, Umgebungen und Denkweisen haben, variiert auch ihre Interpretation des Kunstwerks. Diese Vielfalt führt zu zahlreichen „Fehlern“ im Interpretationsprozess, die ich jedoch ebenfalls als integralen Bestandteil meiner Arbeit verstehe.“
Wie zufällig, beinahe fehlerhaft wirkende Spritzer und Farbpfützen sind dabei genauso kalkuliert wie die perfekt und sauber gearbeiteten Bestandteile eines Gemäldes: „Diese Unvollkommenheiten sind für mich wichtige Elemente meiner Arbeit, letztendlich möchte ich damit die Botschaft vermitteln, dass der Mensch kein mechanisches oder perfektes arithmetisches Wesen ist.”
Egal ob als malerische Bildkomposition oder von inhaltlicher Seite betrachtet, in jedem Fall beeindrucken und begeistern die Arbeiten Hyundeok Hwangs.
Hyundeok Hwang wurde 1985 in Cheongju, Südkorea geboren. Er lebt und arbeitet seit 2016 in München. Das Akademiestudium in der Klasse von Prof. Markus Oehlen an der AdbK München schloss er 2023 mit Diplom ab. Bereits in Südkorea absolvierte er ein Studium der Malerei an der Hannam University in Daejeon, bevor er seinen zweijährigen Militärdienst als Marineinfanterist ableistete.
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Felix Weinold "faces"
23.11.2023 - 22.10.2023
Die Braun-Falco Galerie freut sich, Ihnen mit „Faces“ die mittlerweile siebte Einzelausstellung des bekannten Augsburger Künstlers Felix Weinold in unseren Räumlichkeiten präsentieren zu können.
„Faces“ betitelt trefflich das derzeitige Interessensgebiet des Künstlers Felix Weinold, sprich die persönliche Auseinandersetzung des Künstlers mit dem Medium der Portraitmalerei.
„Portrait“ stehen Felix Weinold Photographien unterschiedlicher meist allgemein bekannter Persönlichkeiten aus dem Kunst- und Kulturbereich - Maler, Autoren und Schauspieler wie Samuel Beckett, Tracey Emin, John Malkovich, Andy Warhol oder Vivienne Westwood. So berühmt-berüchtigt diese Namen auch klingen mögen, welche Person Felix Weinold porträtiert, spielt keine Rolle. Ähnlich wie die Photographien eines John Deakin für Francis Bacon und Lucien Freud Ausgangslage ihrer Malerei waren, dient Felix Weinold der photographische Ursprung seiner Protagonisten lediglich als grobe Impression ihrer Gesichtszüge. Sie dient als gedankliche Orientierung zum Malen, weniger als Vorlage, um ein Abbild zu schaffen. Mit breiten, selbstbewußten und nicht korrigierbaren Pinselstrichen formt Felix Weinold seine „Faces“ auf die Leinwand, deren dynamisch wirkende, expressive Züge mehr Persönlichkeit transportieren als ihr photographischer Ursprung.
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Anna Klüssendorf "rooms and frames"
07.09.2023 - 14.10.2023
Die Braun-Falco Galerie freut sich, Ihnen zur OPEN ART mit „rooms and frames“ die fünfte Einzelausstellung der Künstlerin Anna Klüssendorf in unseren Räumlichkeiten zu präsentieren.
Wie bereits im Titel der Ausstellung anklingt, schafft Anna Klüssendorf in ihren aktuellen Leinwandarbeiten Räume, die weit mehr darstellen als die malerische Wiedergabe einer reinen Raumansicht. Vielmehr handelt es sich um vielschichtige und tiefgründige Einsichten in Wohnräume, deren atmosphärisches Innenleben man erahnt, deren Privatsphäre man erspürt, deren BewohnerInnen man sich förmlich im Raum vorzustellen beginnt und anfängt, sich seine persönliche Geschichte zu diesen teils zeitentrückten Impressionen zu erzählen. „frames“ - wie Rahmen um ein Erinnerungsfoto - verdichten die suggerierte Historie.
„Gemalte Collagen“ nennt Anna Klüssendorf ihr Vorgehen, unterschiedliche, voneinander völlig unabhängige und aus unterschiedlichen Zeitepochen stammende Bildfragmente zusammenzuführen. Beeindruckend ist dabei die Vielfalt der verwendeten malerischen Mittel: von klar konturierter Zeichnung, über beinahe fotorealistische Wiedergabe, bis hin zur Auflösung einzelner Farbflächen reicht das Repertoire der 1979 in Leipzig geborenen Künstlerin. Das malerische Collagieren folgt dabei keiner existierenden oder vergangenen Geschichte und keinem vorgegebenem Bildbeispiel. Vielmehr fügen sich die einzelnen Puzzleteile quasi zeitgleich im Gedankengut der Künstlerin wie auf der Leinwand zusammen, ausgerichtet auf ein malerisches Ziel, welches man gleichsam als bildgewaltig wie poetisch beschreiben kann.
Anna Klüssendorf wurde 1979 in Leipzig geboren. Von 2004 bis 2010 studierte sie Malerei an der Akademie der Bildenden Künste München bei Prof. Nikolaus Lang und Prof. Karin Kneffel, wo sie 2010 ihr Diplom ablegte. Über ein DAAD-Stipendium verbrachte sie ein Jahr an der Kunstakademie Wien bei Prof. Amelie von Wulfen. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt u.a. in Stadtgalerie Saarbrücken, Kunstarkaden München, Kunsthalle Bremerhaven, Kunstverein Bad Dürkheim. Neben der Allianz Kunstsammlung München sind ihre Arbeiten in mehreren öffentlichen wie privaten Sammlungen vertreten.
Photography copyright by Verena Hägler
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JAKOB GILG "Messing up each other's algorithms"
01.06.2023 - 31.07.2023
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Niels Plata mit DWELLING IN NIGHTMARES
06.04.2023 - 13.05.2023
Niels Plata bringt Schrecken, Grauen und Entsetzen auf die Leinwand. In Analogie zum sogenannten Body Horror, eines u.a. von Regisseur David Cronenberg entwickelten Horrorfilm-Genres, beschäftigt sich Niels Plata mit der Ästhetik radikaler, destruktiver Veränderungen des menschlichen Körpers. In an Fleisch und Blut erinnernden Rotbrauntönen lässt der Düsseldorfer Meisterschüler von Tomma Abts Körperfragmente – Gesichter, Extremitäten, Innereien – mal mehr konkret, mal nur als diffuse Andeutungen in einem schwarzen, bühnenhaften Bildraum zur Erhellung kommen. Das Momentum der körperlichen Zerstörung führt zu einem Unbehagen in der eigenen Körperwahrnehmung und bricht mit den geläufigen Konventionen von Schönheit. Der Betrachter wird mit der eigenen Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit konfrontiert. Einzelne klar erkennbare Objekte sollen eine thematische Verortung erlauben, bleiben jedoch für eine exakte Kontextualisierung zu schleierhaft. So verbleibt das Narrative im Ungewissen und lässt jedem seinen persönlichen Assoziationsspielraum, der von individuellen Phantasmen genauso wie vom aktuellen krisenhaften Weltgeschehen beeinflusst werden kann.
Mit diesen Horrorvisionen positioniert sich Niels Plata im aktuellen auf „Sorgenfreiheit“ und „Gefälligkeit“ ausgerichteten Kunstkanon als Außenseiter, gleichsam fügt sich seine Thematik in eine Jahrhunderte währende Tradition ein, zu der man die Höllendarstellungen eines Hieronymus Bosch, die „Pinturas negras“ eines Francisco de Goya, die abstoßend schönen Stillleben geschlachteter Tiere eines Cham Soutime sowie die von tiefstem Instinkt getriebenen Zerfleischungen eines Francis Bacon zählen darf. Die Auseinandersetzung mit dem Existentiellen mögen viele im Alltag ablehnen, zur menschlichen Realität gehört es allemal
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Lars Teichmann - Retrivals of Classics
09.02.2023 - 01.04.2023
Mit dem Gefühl für die großzügige Geste schafft Lars Teichmann zeitgenössische Neuinterpretationen von historisch bekannten Motiven. Unter gebührender Achtung des Originals eradiziert der in Berlin ansässige, ehemalige Daniel Richter Schüler, alle ihm unwesentlich erscheinenden Bildinhalte und fokussiert sich auf das wesentliche Bildthema. Dieses wird durch eine farbliche Reduktion weiter abstrahiert.
Neben Stilleben sind es oft berühmte Portraits die Lars Teichmann in seiner lockeren und flüchtigen Malweise umsetzt: Auffällige Besonderheit der Porträts ist das häufige Auslassen von konkreten Gesichtszügen, die eine Identifikation der dargestellten Person ermöglichen würden. Durch eine Weiße Fläche anstelle des Gesichtes wird das Bild zur Projektionsfläche. Statt der Charakterzüge der porträtierten Person wird so die Malerei selbst in den Mittelpunkt gerückt.
Trotz der zunehmenden Distanzierung vom Original behalten die Bilder von Lars Teichmann die majestätische Aura und monumentale Kraft ihres Vorbildes, gleichzeitig tritt des Künstlers flüchtige und lockere Malweise in den Vordergrund und besticht durch ihre harmonische Leichtigkeit, welche zwischen abstrakten und expressiven Elementen changiert.
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TRANSAVANGUARDIA RELOADED (a collaboration with Galerie Klüser)
showing works by Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Francesco Clemente and Ernesto Tatafiore
17.11.2022 - 31.01.2023
Transavanguardia is an artist movement which was formed and named in the late 1970s by the well known Italian curator Achille Bonito Oliva. Their major protagonists among them Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Francesco Clemente and Ernesto Tatafiore become internationally recognized within a very short period of time. As a countermovement away from the cold and clean minimal art, the brainy conceptual art and arte povera, transavanguardia provoked a renaissance of classic painting, drawing and sculpturing. Their works were driven by a subjective eclecticism containing elements of narrative, emotional, poetic, mythological, metaphorical and even ironic notions. Transavanguardia brought expressive gesture and artistic pathos back to the painting, which were not present for years. This new old style unexpectedly received such a positive resonance that within only a few years the doors were opening to important international galleries and museums. For instance, transavanguardia represented Italy at the Venice Biennale already in 1980, and several transavanguardists were enrolled in the documenta 7 in 1982, moreover Enzo Cucchi and Francesco Clemente had solo exhibition at the Guggenheim Museum New York in 1986 and 1999, respectively, Mimmo Paladino had his first overview exhibition in 1985 at the Lenbachhaus in Munich, and Ernesto Tatafiore's grafic works had been shown at the Metropolitan Museum New York in 1985.
Even the artist were combined in the transavanguardia movement, all being from Italy and all having around the same age, each artist developed his own highly recognizable and typical style from early one. Simply said, Cucchi might be the most enigmatic, Paladino the most mythologic, Clemente the most eccentric, and Tatafiore the most historically focused among the transavanguardian artists.
Since the zenith of transavanguardia dates back by far more than a generation, it is the intention of TRANSAVANGUARDIA RELOADED to put the spot again on the incredible works of the 1980' and 1990' in particular with an updated and current appreciation of art.
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Ingrid Floss FRAGILE INTENSITY
Die Braun-Falco Galerie freut sich, Ihnen mit „Fragile Intensity“ die mittlerweile vierte Einzelausstellung der in München lebenden Künstlerin Ingrid Floss präsentieren zu können.
Ähnlich wie in den Arbeiten einer Joan Mitchell oder anderer Vertreter der „New York School of Painting“ stellt die 1970 in Köln geborene Malerin Ingrid Floss die Farbe ganz in das Zentrum ihrer Arbeit. Diese als Farbfeldmalerei bezeichneten Malweise ist ein dynamischer, zeitintensiver und tiefgehender Prozess der permanenten Auseinandersetzung mit Farbe.
Farbfläche um Farbfläche werden auf die Leinwand gesetzt , bis ein Bildmotiv entsteht, welches ruhig und harmonisch und gleichermaßen spannungsvoll und energiegeladen ist.
Die Mannigfaltigkeit der unterschiedlichen Farbklänge ordnet sich dem Gesamteindruck des Bildraumes unter. Jede Farbfläche für sich ist auf dem Bildträger von gleicher Bedeutung – große strahlende Flächen können von kleinen matten im Gleichklang gehalten werden und umgekehrt. Fehlt ein Element kippt das Bild aus seinem Gleichgewicht. Die Bipolarität des Nebeneinanders wird durch das passende Über- und Hintereinander in einem Maße ergänzt, welche einzelne Farbflächen in den Vordergrund, andere in den Hintergrund treten lassen und so malerische Raumtiefe suggerieren. Ergänzende Linien und einzelne, gestische Pinselstriche artikulieren den Raum der Farbflächen und versetzt ihn in Schwingung.
Dieses Vorgehen, das Setzten eines jeden Elements in Abhängigkeit von Farbe, Form und Fläche, bedarf jedes mal aufs Neue einer künstlerischen Entscheidung geprägt von Sensibilität, Erfahrung, Zweifel und Vision - ein Für und Wieder an dessen Ende die Orchestrierung unterschiedlicher Farbtonalitäten im Gleichklang zu stehen hat. Obwohl die Komplexität des Sichtbaren die Augen des Betrachters auf der Bildoberfläche kontinuierlich umherschweifen lassen, versinkt der Geist im immateriellen Raum der Gesamtwahrnehmung.
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Katharina Stangler BLUE SHADOWS
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Hyundeok Hwang DIE BRÜCKE
10.10.2021- 22.12.2021
"Es beginnt mit einem Moment der Realität, wo ich gewesen bin und was ich erlebt habe. Aber es endet als ausgebreitete Fantasie, die eine Mischung ist aus meinen eigenen Erfahrungen und meinen Vorstellungen, die damit verknüpft sind. Indem ich eine Brücke über die Realität baue, erreiche ich eine Übereinkunft, eine Fantasie. Es ist ein sich endlos wiederholender Prozess, aber die Form der Brücke – um bei dieser Metapher zu bleiben - ist veränderbar". schreibt der Künstler Hyundeok Hwang über den Entwicklungsprozess seiner Arbeit und weiter:
"Ich kann auf der Brücke stehen, über die Brücke laufen und auf die Brücke springen. Somit ist es mir möglich in meinen Arbeiten unterschiedlichste Standpunkte zur Realität, zu Erlebtem einzunehmen. Vorstellungen, Wünsche und Erinnertes stehen so gleichberechtigt nebeneinander und wachsen sich aus, zu einem Netz von Erzählungen und Geschichten auf unterschiedlichen Realitätsebenen. In dieser Ausstellung zeige ich, wie ich Realität und Fantasie mische, und auch, wie ich an der Grenze von beiden gespielt habe“.
Vieles an Hyundeok Hwangs Arbeiten ist bemerkenswert; der Grad der technischen Ausarbeitung seiner in zahlreichen Schichten ausgeführten Ölmalerei, die Lichtführung in seinen Kompositionen und allem voran das Bilder-Universum, welches er entwickelt. Wie er es selbst formuliert, liefern Erinnerungen und eigene Erfahrungen das Ausgangsmaterial für seine Bilder. Mit viel Fantasie verarbeitet er diese, verfremdet sie und schafft so eigenständige Erzählungen. Teilweise skurril und grotesk, teilweise rührend ziehen diese den Betrachter in einen Sog, einen regelrechten Strudel aus mit Fiktion vermischter Vergangenheit.
Hyundeok Hwang wurde 1985 in Cheongju, Südkorea geboren. Er lebt und arbeitet seit 2016 in München, wo er in der Klasse von Prof. Markus Oehlen an der AdbK München studiert. Bereits in Südkorea absolvierte er ein Studium der Malerei an der Hannam University in Daejeon, bevor er seinen zweijährigen Militärdienst als Marineinfanterist ableistete.
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Rolf Rose Das offene Fenster
bis 30.04.2022
Das Lenbachhaus München präsentiert ab dem 01. März 2022 unter dem Titel „DIP IN THE PAST“ eine Gruppenausstellung von Künstler*innen, deren malerische Positionen aus unterschiedlichen Generationen und kulturellen Traditionen stammen und die Auseinandersetzung mit der Geschichte und Gegenwart von Malerei exemplarisch beleuchten.
Einer der mitwirkenden Künstler ist ROLF ROSE, dessen Arbeiten über die KiCO-Stiftung im Lenbachhaus präsentiert werden. Wir möchten dies zum Anlass nehmen und Ihnen in der Einzelausstellung "Das offene Fenster" neueste Arbeiten des Hamburger Künstlers Rolf Rose zeigen.
Bekannt geworden in den 1970er und 80er Jahren als herausragender Vertreter einer „fundamentalen Malerei“ – durch seine häufig in dunklen Tönen gehaltenen, monochromen Arbeiten – zeigt sich in den jüngsten Arbeiten von Rolf Rose eine unerwartete Öffnung hin zur Farbe, zur Buntheit und zur lockeren Geste. Als ob Farbdosen über dem Bildträger willkürlich ausgeschüttet worden wären, verteilen sich die Pigmentmassen in dann doch bewusst koordinierten Farbverläufen, Farbseen, Schlieren, Tropfen, Überlagerungen und Vermischungen. Das Ergebnis – ein All-Over an Farbklecksen – besticht durch seine dynamische Frische, seine geistige Freiheit und malerische Ungezwungenheit genauso wie durch seinen Energiegehalt und seine positive Aufladung. Wüsste man nicht, dass Rolf Rose seinen 90. Geburtstag anstrebt, man würde den Urheber dieser Werke in seinen 30ern oder 40ern vermuten; doch bedarf es wohl einer gewissen Lebenserfahrung als Maler, um sich derart von jeglichen „ismen“ befreien zu können, wie es Rolf Rose in seinen aktuellen Arbeiten gelingt.
Rolf Rose, geboren 1933, lebt in Krempe und Berlin. Seine Arbeiten sind in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten und wurden bereits in mehreren Museumsausstellungen gewürdigt.
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Positionen Abstrakter Malerei
mit Werken von Max Ackermann, Willi Baumeister, Carl Buchheister, Rolf Cavael, Karl Otto Götz, Serge Poliakoff, Otto Ritschl, Emil Schumacher, Bernard Schultze, Fritz Winter
13.09.2021 - 06.11.2021
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Florian Donnerstag HATS AND SPIDER APPS
30.06.2021 - 08.08.2021
Intermezzo vom 16.07.-25.07.2021 mit der Jahresausstellung der Klasse Pia Fries
Die Braun-Falco Galerie freut sich, mit „Hats and Spider Apps“ die erste Einzelausstellung des Künstlers Florian Donnerstag ihrem Publikum präsentieren zu dürfen.
Seit 2017 studiert Florian Donnerstag in der Klasse von Prof. Markus Oehlen an der ADBK München. Seine Kompositionen zeichnen sich aus durch das gleichzeitige Nebeneinander von zahlreichen Einzelmotiven, die Donnerstag gekonnt zu einem größeren Gemeinsamen zusammenfügt. Technisch und stilistisch in sich durchaus verschieden, werden diese Bildfragmente von Donnerstag zu komplexen Bildwelten verwoben, in denen man nach einem narrativen Zusammenhang sucht. Auf den ersten Blick wirken diese dynamisch, vibrieren fast vor Spannung oder gar Unruhe und selbst der rohe, ungrundierte Malgrund trägt zu diesem Eindruck bei. Wie Farbflächen bei einem All-Over-Painting reihen sich die einzelnen Motive auf der Leinwand aneinander, ohne eine konkrete Leserichtung vorzugeben. Dies wirkt beinahe überfordernd auf den Betrachter, doch gerade mit dieser Herausforderung spielt Florian Donnerstag. Einerseits, gelingt es ihm, die eigene Rolle als „Bildgestalter“ zu reflektieren, andererseits liefert er dem Betrachter ein Spiegelbild unserer unruhigen und bewegten Gegenwart: Bis zur Gleichzeitigkeit beschleunigte Bild- und Sinneseindrücke durch Social Media finden sich in seinen Arbeiten ebenso wieder, wie die immer schnellere, alltägliche Bilder- oder Nachrichtenflut.
Dieses gleichzeitige Nebeneinander unterschiedlicher Bildeindrücke sowie die Suche nach dem eigenen Stand-punkt in unserer rasant sich ändernden Gegenwart sind Themen, die Florian Donnerstag in seinen Werken be-arbeitet. Mit Brüchen und Asymmetrien, geprägt von Unruhe, dramatischen Momenten aber auch feinem Humor entstehen so äußerst spannungsvolle und zugleich ästhetisch ansprechende Gemälde. Die Komplexität und Detailvielfalt seiner Arbeiten will einen Kontrapunkt setzten zur sekunden schnellen und oberflächigen Verarbeitung von Bildereindrücken. Nur wer sich mit den Arbeiten bewußt auseinandersetzt, wird deren beständige Athmosphäre erspüren. Und genau darin liegt ihre Stärke.
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Franz Hitzler - MENSCHEN
26.05.2021 - 2606.2021
Eine Übersichtsausstellung über das bildhauerisches Werk
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